Es uno de los escritores más vendidos del mundo, con casi 40 libros a sus espaldas, pero al británico Ken Follett todavía le preocupa que sus lectores se encuentren frente a una página "aburrida". El galés de 76 años, que recientemente obtuvo la nacionalidad francesa, está terminando la gira promocional de su último libro, El círculo de los días, de más de 700 páginas. En un momento de la vida en el que la mayoría busca un ritmo más pausado, Follett asegura que sigue sintiendo las mismas emociones que cuando comenzó. "Si hay una página que es un poco aburrida, y millones de personas van a pensar que es un poco aburrida, empezarán a perder interés", explica en una entrevista a AFP en París. "No puede haber partes aburridas en mis libros", insiste el escritor, que se describe como "perfeccionista". El autor de Los pilares de la Tierra ha desarrollado un proceso de escritura exigente que, aunque prolífico, siempre implica varias reescrituras, ediciones y revisiones. Cada mañana, comienza releyendo lo que produjo el día anterior y hace cambios. Cuando termina un primer borrador, lo vuelve a escribir todo, haciendo más modificaciones. "Cuando estás leyendo tu propio material es demasiado fácil estar satisfecho, pero cuando realmente lo vuelves a teclear, siempre veo formas en las que las frases pueden mejorarse", cuenta. Una decena de amigos y familiares, en quienes confía para recibir comentarios, leen luego ese texto. También lo revisan historiadores que corrigen las inexactitudes. ¿Cuánto tiempo seguirá con este largo proceso de escritura y edición? Y sobre todo de promoción, una etapa que, según él, lo agota. "Es demasiado interesante como para dejarlo. No miraré atrás para pensar 'podría haber hecho cruceros alrededor del mundo'... No puedo pensar en nada más aburrido", dice. Nacionalidad francesa Follett fue durante años una figura influyente en la política británica de izquierda, una persona clave para el Partido Laborista del ex primer ministro Tony Blair a finales de los años 1990. El brexit, la salida del Reino Unido de la UE en 2020, tuvo un gran impacto en el escritor. Hace apenas unos días, recibió la nacionalidad francesa, un país en el que vivió en los años 1980. "Soy galés y me encanta Gales, y no quiero renunciar a mi identidad como galés ni como británico, pero odio el Brexit y el tipo de actitudes que lo acompañan", como la idea de que los británicos "no tenemos ninguna necesidad de llevarnos bien con nuestros vecinos", explica el autor. "Eso es lo que quiero dejar atrás, no el hecho de ser británico, sino abrazar algo que me ha gustado toda mi vida", añade. De los franceses, dice amar que "comen bien y beben vino con frecuencia, pero rara vez en exceso, lo cual es una manera muy agradable de hacerlo".

Una oficial de la Policía de la Ciudad de Buenos Aires, identificada como Nicole Gabriela V., fue pasada a disponibilidad luego de que se viralizaran sus polémicos videos en redes sociales. Las autoridades calificaron su actitud como “indecorosa”. El caso salió a la luz cuando la Comisaría Vecinal 12B informó que V. estaba de licencia médica por “estatus convulsivo”, a la espera de una junta médica. En paralelo, comenzó a circular un video publicado en la cuenta de Instagram, donde dos mujeres —una de ellas la oficial— aparecen jugando al pool con el uniforme, sin identificación visible, e interactuando con los seguidores en un tono “inocente, controlado e insinuante”. Las autoridades lograron confirmar que una de las protagonistas de la grabación, que tuvo cientos de visualizaciones, era V., mientras que la otra mujer no pertenece a la fuerza, de acuerdo con lo que detalla el parte policial, recogido por el canal Todo Noticias. Ante esto, se inició un sumario por conducta “indecorosa” y se pidió la intervención de Asuntos Internos. Según la fuerza, el accionar de la oficial afecta el prestigio institucional y el uso indebido del uniforme viola la Ley 5688 de Seguridad Pública. El 16 de octubre, a través de la Resolución 2025-642-GCABA-SECSEG, el secretario de Seguridad dispuso que V. pase a situación de disponibilidad, una medida que la aparta de sus funciones mientras avanza la investigación administrativa. Con poco más de tres años de antigüedad, la oficial quedó ahora a la espera de una resolución definitiva. En su legajo recibió un “concepto regular”, y su conducta fue considerada incompatible con la imagen que la Policía de la Ciudad busca proyectar.

Ediciones B presenta Los tres Pepes, la nueva obra de Leonardo Borges, una exploración profunda de la historia uruguaya a través de tres figuras centrales: José Artigas, José Batlle y Ordóñez y José Mujica. El libro analiza cómo estos tres líderes, a pesar de la distancia temporal, compartieron una visión moral centrada en la justicia social, la libertad y la dignidad humana. Borges trasciende la biografía tradicional y ofrece una lectura innovadora de la historia uruguaya. Cada "Pepe" simboliza un momento crucial: el proyecto artiguista de una federación republicana, el batllismo como la base institucional de un Estado laico y reformista, y Mujica como un exponente de una ética política que valora la austeridad, la coherencia y la empatía. El autor equilibra el ensayo histórico con la reflexión contemporánea, instando al lector a reevaluar la identidad nacional más allá de las narrativas convencionales. Borges se abstiene de idealizar a sus personajes; reconoce sus contradicciones y las complejidades de sus épocas, proponiendo una interpretación crítica y respetuosa de su legado. Los tres Pepes se suma a una tradición de literatura política que busca esclarecer en lugar de simplificar el pasado y el presente. Es una obra esencial para aquellos que deseen comprender el Uruguay y los desafíos de las democracias latinoamericanas.

El bolso que lleva Sanae Takaichi, la nueva primera ministra de Japón, está generando un revuelo considerable. Este accesorio, oficialmente llamado Grace Delight Tote, pero conocido como el Sanae Tote, es un bolso de piel lo suficientemente grande para que quepa una carpeta A4. Fabricado por Hamano, una empresa japonesa de “artesanías de cuero” fundada en 1880, se vende por 136.400 yenes (unos 880 dólares). Saori Masuda, editora de 10 Magazine Japan, lo ha comparado con la “Asprey de Japón”, refiriéndose a la casa londinense de artículos de piel amada por la aristocracia británica. Lo que hace inusual a este bolso es que lo lleve la líder de un país del G7, un cargo que normalmente no implica cargar con un bolso de mano. Antes de Takaichi, era raro ver a una mujer política destacada con un bolso. Karla Welch, una estilista que trabajó con Kamala Harris, explicó que renunciar a un bolso da la impresión de tener a alguien que lo cargue por ti: "Todas tienen un bolso. Solo que lo lleva un ayudante". Takaichi está cambiando esta percepción. Emi Kameoka, directora de moda de Vogue Japón, dijo que el bolso de Takaichi subraya su imagen de mujer profesional y refuerza su promesa electoral de “trabajar y trabajar y trabajar y trabajar”. Además, el bolso de Takaichi conecta con su autoproclamada heroína política, Margaret Thatcher. Para Thatcher, el bolso era una forma de alinearse con un atuendo respetable de mujer normal. Edwina Currie, diputada conservadora y ministra de Salud de Thatcher, calificó el bolso del “arma” de la primera ministra. En 2011, un bolso Asprey que llevó Thatcher durante una visita anterior se vendió por 39.800 dólares en una subasta benéfica. Cuando dejó el cargo, los bolsos se habían convertido, según el Centro Margaret Thatcher, en “potentes símbolos de su inflexible autoridad”. Ahora, el bolso de Takaichi ya ha inspirado un aumento de las ventas. Kameoka, de Vogue, señala: “La gente presta atención a lo que ella lleva puesto, mucho más que con los políticos varones”. Según el sitio web de Hamano, la empresa ha recibido tantas peticiones del Grace Delight Tote negro que su producción actual está agotada. Están “recibiendo actualmente pedidos equivalentes a aproximadamente 10 meses de producción en fábrica”. Hamano tiene previsto enviar la bolsa a finales de agosto del año que viene. *** Crédito fotográfico: NYT

Cuando diciembre asoma, los balances personales y laborales conviven con cenas de fin de año, despedidas y rituales que ayudan a cerrar el ciclo con calidez. Entre ellos, el Amigo Invisible —también conocido como “intercambio de regalos” o “amigo secreto”— se consolida como una de las costumbres más queridas y democráticas del fin de año. ¿En qué consiste? Cada participante recibe en secreto el nombre de alguien a quien debe hacerle un regalo, respetando un presupuesto acordado. Nadie sabe quién le regalará a quién hasta el momento del intercambio. A veces se revelan los nombres, otras veces no. Más allá del gesto, el verdadero valor del Amigo Invisible está en el juego, la sorpresa y el vínculo que genera. Estas son cinco buenas razones para organizar uno este año: 1. Fortalece los vínculos en cualquier grupo Ya sea en el trabajo, entre compañeros de estudio, en una familia numerosa o en un grupo de amigos, el Amigo Invisible fomenta el acercamiento y la empatía, incluso entre quienes no se conocen tanto. Es una forma amable de cerrar el año con un gesto, sin importar cuán cercana sea la relación. 2. Permite regalar sin gastar de más Uno de los grandes beneficios es que se define un tope de precio accesible para todos, lo que evita presiones o comparaciones. Se trata de un juego económico e inclusivo, ideal para tiempos de inflación o presupuestos ajustados. 3. Aporta diversión y misterio a las celebraciones Desde adivinar quién regaló a quién hasta leer pistas graciosas o incluir desafíos, el Amigo Invisible puede ser tan simple o elaborado como el grupo lo quiera. La risa y la sorpresa son parte esencial del juego, y siempre aportan alegría a cualquier encuentro. 4. Despierta la creatividad Con límites presupuestarios y el deseo de sorprender, muchas veces surgen regalos originales, hechos a mano o con un significado personal. El juego estimula la imaginación y permite pensar en el otro desde un lugar afectivo más que comercial. 5. Revaloriza el gesto por encima del objeto En un mundo donde el consumo suele dominar las fiestas, el Amigo Invisible rescata el valor simbólico del regalo. El acto de pensar en alguien, elegir algo con dedicación y compartirlo es, en sí mismo, un mensaje de reconocimiento y afecto. Bonus: ¿cómo hacerlo más interesante? Temas

Editorial Planeta anuncia el regreso del escritor y periodista Diego Fischer con su nueva obra de no ficción, La bendición de Jonás. La novela, basada en hechos reales, reconstruye con rigor documental y pulso narrativo el naufragio del vapor Ciudad de Asunción, ocurrido en la madrugada del 11 de julio de 1963 en el Río de la Plata. El libro, que estará disponible en librerías de todo el país desde el 28 de noviembre, narra la lucha desesperada por sobrevivir de los pasajeros que, tras el choque del buque con una embarcación hundida, se enfrentaron a una decisión límite: morir calcinados en el incendio o lanzarse a las gélidas aguas del río. Fiel a su estilo, Fischer entrelaza testimonios reales, contexto histórico y reconstrucción literaria, para dar vida a una historia que —como muchas otras tragedias fluviales de la región— quedó sepultada por el tiempo. En sus páginas, el autor también explora temas universales como el amor, la ambición y el coraje, a través de los relatos de quienes enfrentaron aquella noche la muerte con humanidad y decisión.

Los jóvenes que alcanzaron la mayoría de edad a la sombra de los Fab Four se mofaban de las credenciales boomer de la banda. Los discos “Anthology”, que vuelven ahora después de 30 años, cambiaron todo eso. Cuando era chico, odiaba a los Beatles. Bueno, odiar es una palabra muy fuerte. Cuando era adolescente, en las décadas de 1980 y 1990, estaba harto de ellos. Los Beatles representaban a la generación de mis padres, y sus ineludibles canciones me parecían la encarnación musical de la dominación boomer. El rechazo propio de la generación X hacia los Fab Four parecía estar mejor expresado por la mueca punk de The Nation of Ulysses en 1992: "No estoy hablando de una canción de los Beatles / Escrita cien años antes de que yo naciera". Lo que hizo que mi actitud cambiara —de curiosidad a, finalmente, obsesión— fue The Beatles Anthology, en 1995, un documental televisivo profundo, autoproducido, junto con tres CD relacionados repletos de material alternativo de estudio. El 26 de noviembre llegará a Disney+ una versión ampliada de la serie en celebración de su 30 aniversario, con imágenes y sonido renovados. Los álbumes, con un nuevo cuarto volumen, se han publicado esta semana. El proyecto también incluye un libro de mesa de café. Para espectadores como yo, las imágenes de Anthology despojaron a la banda de su santa leyenda y la presentaron como imperfecta pero heroica. En las imágenes de los primeros días de “juventud salvaje” de los Beatles, sudando en cuero en el barrio rojo de Hamburgo o en el subterráneo Cavern Club de Liverpool, casi podían ser punks, y en la era grunge, eso contaba como credibilidad. El proyecto también ofrecía una seductora gran narrativa, que explicaba la vasta magnitud del fenómeno Beatles y sus efectos en cuatro personas reales. Junto con John Lennon, que hablaba a través de clips de archivo, los tres miembros sobrevivientes en ese entonces —Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison, fallecido en 2001— expresaban su ambición, su ambivalencia e incluso los rencores y quejas que habían arrastrado hasta los 50 años. "Los Beatles no se autoeditaban en aquella época", recordó Bob Smeaton, director y guionista de la serie original, en una entrevista reciente. "Simplemente, decían lo que se les pasaba por la cabeza". La serie sirvió como un nuevo modelo para la historiografía de los Fab Four, un punto de partida para lo que podría llamarse el Universo Cinematográfico de los Beatles: un proceso en constante evolución en el que la banda cuenta y vuelve a contar su propia historia, ajustando los detalles y la lista de reproducción por el camino. Después de Anthology, vino la colección de éxitos 1 (2000), el espectáculo del Cirque du Soleil, Love (2006), y una avalancha continua de reediciones comentadas y proyectos documentales como The Beatles: Get Back (2021), la inmersiva mirada de Peter Jackson a las tensas sesiones del grupo a principios de 1969. Próximamente, habrá cuatro biopics de Sam Mendes, previstos para 2028. La nueva edición de Anthology —ocho episodios de una hora, editados a partir de la versión original en home video de la serie, más un noveno sobre los miembros sobrevivientes que se reúnen para completar tres canciones dejadas por Lennon— tiene suficientes escenas familiares para satisfacer la nostalgia boomer. Pero también hay detalles pequeños pero reveladores, como Harrison hablando de su obsesión escolar por el rock ‘n’ roll, mientras vemos sus bocetos de guitarras en un cuaderno de arquitectura. La llegada triunfal de la banda a Nueva York en 1964 es toda una tormenta mediática. Hay un metraje increíblemente íntimo rodado por Albert y David Maysles —que ya se ha visto, pero que sigue siendo increíble— que muestra al grupo desde el interior de un coche en Manhattan mientras son acosados por fans adolescentes que gritan, un eterno ritual de la cultura pop que los conecta hacia atrás en el tiempo con Frank Sinatra y hacia adelante con Taylor Swift y los ídolos del K-pop. Es un recordatorio de que el hechizo de las celebridades siempre puede reavivarse. Jonathan Clyde, director de producción de Apple Corps, la empresa de los Beatles, recuerda que se sorprendió cuando Get Back de Jackson se hizo viral entre la generación Z. "En cierto modo, parecía hablarles a ellos", dijo Clyde en una entrevista. "¿Quizá fue una especie de reality show ambientado en 1969?". En 1995, los Beatles seguían siendo una presencia constante en la radio, y escuchar uno de sus éxitos por milésima vez podía sumir a un joven fan del rock en un trance de mal humor. Pero los nuevos clips de audio de Anthology, en versiones en directo o cortes alternativos, podrían sacarte de esa amargura. Una maqueta desenterrada, no disponible en la época de la serie original, revela que antes de que "Yellow Submarine" se convirtiera en la canción casi infantil que todos conocemos, era un número acústico sombrío en el que Lennon cantaba: "En el lugar donde nací / A nadie le importaba, a nadie le importaba". (Esta grabación, procedente de una “cinta de trabajo de composición” de Lennon y McCartney, se publicó por primera vez en una reedición de lujo de Revolver, en 2022). El metraje original, procedente de las propias bóvedas de los Beatles y con licencias de decenas de otras fuentes de archivo, se restauró a fondo, haciendo que la acción parezca increíblemente real. La mayor parte de la música ha sido remezclada por Giles Martin, hijo del productor de los Beatles, George Martin, quien utilizó MAL, el sistema de aprendizaje automático desarrollado por el equipo de Jackson en Nueva Zelanda. Ese proceso incluye la “desmezcla”: separar las muchas fuentes de audio mezcladas en una vieja grabación ruidosa, lo que permite ajustes como reducir el estruendo de la multitud mientras los Beatles tocan en el estadio Shea. "Ahora puedo, con la tecnología, estar en una situación en la que puedo aislar completamente la voz de John", dijo Martin en una entrevista. "Y a veces se me ocurre: vaya, él nunca habría oído esto". Los Beatles empezaron a ocuparse de su historia cuando la banda aún estaba en activo. En 1968, el escritor británico Hunter Davies produjo The Beatles: The Authorized Biography, que, según relatos posteriores, fue censurada para eliminar detalles escandalosos de la vida en la carretera. Los orígenes de Anthology se remontan a 1969, cuando Neil Aspinall, un conocedor del grupo que acabó convirtiéndose en director ejecutivo de Apple Corps, propuso un documental. A principios de la década de 1970, Aspinall preparó un corte en bruto titulado The Long and Winding Road, pero para entonces los Beatles ya se habían separado. El proyecto quedó engavetado hasta que se resolvieron varias oleadas de litigios en 1989. Dos años después, Aspinall contrató a un equipo para terminar el trabajo. Pero Harrison se opuso al título: "The Long and Winding Road" era una canción de McCartney. En su lugar se utilizó el más neutro Anthology. El proyecto se promocionó como la historia completa y definitiva de la banda, tras años de que otros contaran su historia. Smeaton recordó que Aspinall, quien murió en 2008, comparó el proyecto con The Civil War (1990) de Ken Burns: un ambicioso enfoque multimedia para contar una historia de época. Pero los recuerdos difusos y los relatos contradictorios de los miembros de la banda socavaron ese objetivo. "Nuestros recuerdos eran terribles", declaró McCartney a The New York Times en 1995. "Nos dimos cuenta de que, después de tantos años, ninguno de nosotros recordaba las historias igual. Y se supone que esto es lo definitivo, lo autorizado". En lugar de eso, Anthology es como un álbum de recortes de sucesos asombrosos, contados a veces de dos, tres o cuatro formas distintas. Parece que los Beatles no pudieron ponerse de acuerdo sobre qué ocurrió exactamente cuando conocieron a Elvis Presley, o si estaban drogados cuando recibieron sus honores de manos de la reina Isabel II. Smeaton recordó haber discutido suavemente con Harrison después de que este mencionara la segunda presentación de la banda en el Shea Stadium, en 1966. "George dijo: 'No tocamos dos veces en el Shea Stadium'", dijo Smeaton. "Yo dije: 'George, sí lo hicieron'. Me dijo: 'Mira, Bob, yo estaba en la banda; tú no'. Le dije: 'George, tengo las imágenes'. Se lo enseñamos y George dijo: '¿Sabes qué? Sigo convencido de que no volvimos a tocar en el Shea Stadium en el 66’'". Martin refrescó el sonido de los álbumes de Anthology, y un cuarto volumen añade más tomas descartadas. Algunas son sorprendentes, como una salvaje toma 17 de "Helter Skelter", al final de la cual McCartney declara: "Guárdala, márcala como ‘fabulosa’". (Hicieron falta cuatro tomas más para conseguir la versión del álbum). Otras pueden ser menos esenciales, como una versión de "Every Little Thing" de 1964 que se interrumpió después de que McCartney eructara. El aspecto más controvertido del proyecto original de Anthology fue la publicación de dos canciones, "Free as a Bird" y "Real Love", completadas a partir de maquetas en bruto que Lennon hizo en solitario a finales de la década de 1970. Se promocionaron agresivamente en la radio, aunque los críticos y los fans estaban divididos sobre su valía, y algunos se sentían incómodos con la idea de que las canciones de Lennon fueran póstumamente “Beatleficadas”. (Yoko Ono, la viuda de Lennon, había dado permiso a los demás). Hace dos años se publicó una tercera canción, "Now and Then", y la explicación de entonces parecía implicar otro argumento modificado. Los tres ex Beatles habían intentado "Now and Then" durante las mismas sesiones de 1995 que produjeron "Free as a Bird" y "Real Love", pero, según se dijo, la tecnología necesaria para terminarla no estaría disponible hasta la década de 2020. No importa que, en 2012, McCartney dijera en un documental que Harrison había rechazado "Now and Then" por considerarla "basura". No obstante, "Now and Then" entró en el canon como la “última” canción de los Beatles, una nueva oportunidad para los fans de escuchar a los Fab Four tocando juntos. Y, resulta ser, que "Now and Then" fue escrita por Lennon unos años después de que yo naciera.

Homero Francesch hojea sus libros del compositor francés Maurice Ravel con una mezcla de cariño y concentración. Desliza el dedo por los márgenes de sus apuntes como quien repasa una memoria afectiva más que un programa de concierto de piano. La escena ocurre en Montevideo, pero podría haber sido en Zúrich, París o Ginebra: donde él esté, la música lo acompaña con la misma fidelidad. Y, sin embargo, este regreso a Uruguay, a sus raíces, tiene un matiz distinto. La charla fluye mientras revisa los materiales del programa dedicado al 150 aniversario de Ravel. Francesch se consagró como uno de los pianistas más destacados del mundo. Ganador de un Prix de Italia y con décadas de carrera en Europa, no pierde su cercanía natural: habla con la esencia del niño que estudió piano en Parque Rodó. “Cuando yo era chico estaba la profesora de piano del barrio en distintos lugares, íbamos todos los chiquilines. Estaba también el profesor de guitarra, era natural. La música no era una cosa de élites”, recuerda. Hoy, en cambio, dice que esa base se perdió. “Hoy no hay una política de Estado para la cultura, y menos para la música. Se piensa que es elitista. Y eso es un error. La música ayuda a la mente, ayuda a escuchar, te hace más sensible”, enfatiza. Su reclamo no tiene tono de denuncia, sino de deseo: que la cultura tenga el lugar que merece. “Yo quisiera un ministerio para la Cultura y otro para la Educación. Si estuvieran separados, la cultura tendría otro protagonismo”, subraya. La pasión de Homero por educar y abrir puertas no es teórica: es vivencial. “Todos tenemos derecho a hacer música. Y los niños, más que nadie. No importa si nacés en una cuna de oro o en una de trapos. Tenés que tener la posibilidad de que alguien te descubra”, dice con anhelo. Hablar de música con Francesch es entrar en un territorio de sensibilidad radical. “Mi mayor aprendizaje es que la música es pacifista”, afirma. Se detiene un momento y agrega: “La música te hace querer a la gente. Une a los seres humanos. La gente llega amargada a un concierto, escucha dos horas y sale sonriendo”. Cuenta que hace poco asistió a un concierto barroco en Ginebra. “Era en una iglesia y había muchísima gente que no era religiosa, pero la vi llorando. La música te invade. Te hace más sensible. Y una cosa que te hace sensible te hace más buena”, afirma. “Es como curar un poco el alma de la gente. Cuando ves la felicidad en la cara del público, decís: le hice bien a alguien. Y eso es lo más lindo que puedo hacer”, afirma sin dudas, porque tiene claro que ese es el motor que lo sigue impulsando tecla tras tecla. Mientras habla, sus manos vuelven a los libros de Ravel. Su afinidad con el compositor francés viene de la primera juventud. Su primer disco ya incluía una obra suya: Le Tombeau de Couperin, que también cierra este concierto. “Grabé toda la obra para piano de Ravel. Serían tres horas de música si la tocara toda. Es un programa inmenso, físicamente exigente. Aunque conozcas todo, hay que trabajarlo. Le dedico muchas horas por día; la preparación fuerte es de un mes”, detalla. Describe el programa con una precisión que no oculta la emoción. La Sonatina de 1905, “con el clasicismo en la estructura, pero el impresionismo en el color”. Luego Espejos, compuesta en la misma época, pero “mucho más avanzada”. “Es muy interesante tocarlas juntas. Una obra concisa, clásica, y la otra es una suite moderna, de un desarrollo enorme”, describe con entusiasmo. Siguen los Valses nobles, homenaje a Schubert. Y finalmente Le Tombeau de Couperin, un tributo a Couperin y al barroco, escrito entre 1914 y 1917, en plena Primera Guerra Mundial. Francesch señala la paradoja: “Tiene movimientos efervescentes y, sin embargo, fue escrita en un momento tristísimo para Europa”. Interpretar a Ravel lo ha llevado a adentrarse desde el comienzo en la vida del compositor. “Era completamente reservado. Amaba el blanco y negro, y su casa era enteramente de estos colores. Tenía una personalidad que me va a fascinar hasta el último día de mi vida”, admite. En medio de esa fascinación están también los momentos inesperados de su propia trayectoria, como el recuerdo del Prix de Italia, que recibió sin saber siquiera que lo habían postulado. “De repente me llamaron y me dijeron: ganaste el Prix de Italia. Yo dije: ¿qué es eso?”, cuenta entre risas. El film del concierto se había emitido por televisión y, tras ese día, le llegaron decenas de contratos. “Lo toqué unas 60 veces en un año. Para mí, ese premio fue como un Nobel. Era muy joven. Fue un regalo”, rememora. Hoy, con una carrera consolidada y un calendario internacional que en 2026 lo llevará por Suiza, España y también habrá sorpresas para Uruguay, Homero Francesh sigue trabajando sin mirar el reloj y disfrutando con la misma fuerza. “Esto es como seguir pintando un cuadro: lo arreglás, lo mejorás, le ponés detalles. Siempre estás enamorado de esa obra”, asegura. Quizás por eso, aunque haya tocado Ravel cientos de veces, aún lo mira con ojos nuevos. A lo largo de la charla alterna recuerdos, reflexiones y pequeñas joyas de sabiduría que aparecen sin aviso. No hay gestos grandilocuentes: hay pasión, oficio y una especie de humildad luminosa, esa que solo tienen los grandes. Su concierto en el Teatro Solís, el 4 de diciembre a las 20:00 horas, más que una celebración del aniversario de Ravel, se presenta como un recordatorio de que la sensibilidad, la cultura y el arte siguen siendo caminos posibles —y necesarios— para reencontrarnos. Las entradas están disponibles en Tickantel.

Un vecino de Neuville-sur-Saône, localidad francesa en el área metropolitana de Lyon, realizó a principios de mes un hallazgo inesperado, insólito y valioso. Mientras cavaba en el patio del fondo de su casa para instalar una piscina, se encontró con tres bolsas plásticas repletas de lingotes y monedas de oro, un tesoro valuado en cerca de **700.000 euros**. Tras el descubrimiento, el hombre cumplió con lo estipulado por la ley e informó del hallazgo a las autoridades pertinentes, incluida la Dirección Regional Francesa de Asuntos Culturales. Los expertos analizaron el material y concluyeron que las piezas tenían entre 15 y 20 años de antigüedad, y carecían de valor histórico o arqueológico. Las barras tenían números de serie rastreables hasta una refinería de oro en la región, lo que confirmaba el origen relativamente reciente del oro. Con base en esta información, las autoridades inicialmente autorizaron al residente a conservar el tesoro. La ley francesa permite a un propietario conservar los bienes que se encuentren en su tierra, siempre que no tengan importancia histórica o arqueológica. Sin embargo, según informaron medios locales, el caso no es nada simple, y el dueño de casa podría quedarse sin siquiera una moneda. Abogados expertos en temas patrimoniales advirtieron que herederos del antiguo propietario del inmueble pueden reclamar parte o la totalidad del oro. Si estos herederos se presentan y demuestran una conexión legal con el bien enterrado, el descubridor podría perderlo todo. E incluso si se identifica al antiguo propietario y este no tiene herederos, cabe la posibilidad de que el oro sea reclamado por el Estado francés. *Un enigma dorado* El origen del oro sigue siendo un misterio. El antiguo dueño de la casa, ya fallecido, nunca hizo ninguna referencia al tesoro en los documentos oficiales. Las autoridades dicen que no hay evidencia de delito, como contrabando o robo, asociado con el material encontrado. La historia tuvo repercusión nacional en Francia y generó reacciones humorísticas entre los residentes de la región. Patrick Rachas, concejal del municipio donde se produjo el hallazgo, elogió la honestidad del hombre que informó del hallazgo a las autoridades y, en tono de broma, declaró a la prensa local que también tenía la intención de *“empezar a excavar”* en su propio patio trasero, sugiriendo que podrían estar escondidos otros tesoros bajo tierra en la ciudad. Mientras el proceso legal continúa sin solución, el residente vive con la incertidumbre de haber encontrado una fortuna y, al mismo tiempo, con la posibilidad real de quedarse sin nada.

Meri Deal fue confirmada como la artista invitada para abrir los dos conciertos que Shakira ofrecerá en el Estadio Centenario de Montevideo los próximos 3 y 4 de diciembre. Se trata de una oportunidad histórica tanto para la cantante colombiana —que regresa a Uruguay tras más de una década— como para la artista pop uruguaya, cuya carrera solista ha ganado notable proyección en los últimos años. Ex integrante del grupo Toco para Vos, Meri Deal logró consolidar una propuesta propia que combina sensibilidad lírica, sonidos modernos y una fuerte identidad visual. Con temas como Cobarde, Tu Fantasma y A Kilómetros de Casa, se posiciona como una de las voces emergentes más sólidas del pop latino, especialmente en el mercado mexicano, donde ha venido desarrollando una agenda cada vez más intensa. La elección de Meri como telonera de Shakira no es casual. En 2024 ya había sido convocada para abrir el show de Luis Miguel en Montevideo, y anteriormente también acompañó a Ed Sheeran en su paso por Uruguay, ambos en el mismo escenario. En cada ocasión, su actuación fue destacada por la prensa y celebrada por el público.